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Articles

Jean-François Simier, quand la lacération devient mémoire

Ogygie En 2024, Jean-François Simier a décidé de trancher dans sa propre œuvre. Littéralement. De découper ses peintures. Non pas dans un geste de rejet ou d’autodestruction, mais comme une forme de protestation symbolique contre un esthétisme lénifiant, cet adoucisseur de réalité qui alimente notre quotidien d’images « jolies » mais vides, de surfaces plaisantes mais sans fond. Cette série, Lacération Antonyme , à la fois radicale et profondément méditative, s’inscrit dans une tradition artistique de subversion poétique, dans l’héritage revendiqué de Jacques Villeglé, autre breton, signataire du manifeste des Nouveaux réalistes. À la différence des pionniers de cette mouvance qui détournaient des matériaux extérieurs à leur pratique (affiches urbaines, publicités, slogans politiques), Jean-François Simier retourne la méthode sur lui-même. Ce n’est pas la rue qu’il lacère, mais ses propres tableaux. Chaque composition repose sur des impressions haute définition de ses peintures à l’hui...
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Articles récents

Chantal Robillard : les signes du vivant

Chez Chantal Robillard, la peinture n’est jamais figée. Elle est respiration, élan, vibration continue. Un langage en devenir, sans cesse en train de naître, d’évoluer, de se révéler. Depuis l’enfance, elle peint non pour apprendre une technique, mais pour chercher une vérité intérieure, une manière d’entrer en résonance avec le monde. Sa pratique s’inspire de la calligraphie extrême-orientale : un art du geste juste, de l’écoute, de la transmutation, nourrie de l’enseignement d’un maître coréen. Dans son travail, le signe ne se limite pas à un effet plastique ou à une abstraction décorative. Il puise ses racines dans les formes premières de la nature : les pierres, les constellations, les empreintes, les traces animales. Ces signes originels, que la main de l’artiste capte sans les figer, deviennent les matrices sensibles d’un monde vivant, structuré par le souffle, le rythme, le lien invisible entre les choses. Chantal Robillard ne reproduit pas la nature : elle accompagne sa croiss...
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Nicolas Lespagnol – Le regard comme phénomène mental

  Série Intérieur et Extérieur Nicolas Lespagnol déploie une œuvre photographique exigeante, troublante, patiemment construite autour d’un même noyau : le regard. Pas un regard esthétique ou narratif, mais un regard comme phénomène mental, biaisé, subjectif, toujours en déséquilibre. Dès les premiers clichés, le spectateur est pris à contre-pied. Ici, pas de hiérarchie des formes, pas de lumière théâtrale, pas de moment « décisif ». Le monde, capté à l’aide d’un appareil photographique à capteur plein format (24 mm x 36 mm, pour une grande qualité d’image), se révèle dans sa plus stricte nudité. Les photographies sont simplement captées, avec de légères corrections de couleur, de lumière et de contraste — sans manipulation, ni effets ajoutés. C’est un regard clinique et sans jugement, que le photographe revendique, un regard débarrassé du spectaculaire, de l’instant, du pittoresque – un regard qui dit : « ceci est ». Les contraires sont vrais : penser l’écart Dans Les contraires s...
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Hervé Fayolle, L’arbre comme matière vive

  Arbres étranges - série 14- 2023- 30x40cm                     Dans l’univers pictural d’ Hervé Fayolle, l’arbre n’est plus simplement un motif, il devient un prétexte, un catalyseur de gestes, de textures et de lumière. Depuis 2023, l’artiste assume un tournant radical : celui de l’intensification. Après des années à travailler des grands formats exigeants et méticuleux, où l’encre de Chine structurait chaque ramification avec une précision quasi calligraphique, Fayolle se libère. Il quitte la rigueur du dessin préparatoire pour entrer dans un dialogue plus direct, plus instinctif avec la matière. Ce recentrage sur les petits formats révèle une mutation de sa pratique. Là où les grands formats brillaient par la couleur et la maîtrise technique, les petits tableaux deviennent des espaces de liberté tactile. Fayolle y déploie un geste plus rapide, presque chorégraphique, où sable, sciure, couteaux, fourchettes et spatules re...
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L’art en métamorphose de Jorge Sancho Galego

  JSG Jorge Sancho Galego est né le 31 juillet 1961 à Sâo Bras De Alportel, dans la région de l'Algarve au Portugal. Arrivé en France en 1966, il construit progressivement un univers artistique polymorphe où chaque période créative résonne comme un chapitre d'un vaste poème visuel où s'entrelacent matières et intentions. Son œuvre, tel un fleuve sinueux, traverse des paysages intérieurs et extérieurs, alternant entre la douceur méditative de l'aquarelle et l'acidité expressive des bois brûlés. Ses différentes périodes révèlent ainsi une cartographie intime où chaque série se veut une île aux contours singuliers. Si l'artiste revendique le renouvellement perpétuel comme condition sine qua non de l'acte créatif, c'est qu'il embrasse la rupture comme moteur d'évolution. Loin des chemins balisés, chaque technique devient une langue nouvelle, chaque matériau un territoire à défricher. De la bande dessinée, réalisée dès son plus j...
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Gabrielle Hollensett, une exploration de contrastes

        A qui la couronne ? L’œuvre de Gabrielle Hollensett se situe au croisement d’une sensibilité artistique brute et d’une réelle réflexion sociale. Artiste aux multiples facettes, elle explore diverses techniques, mais revient toujours à un mode d’expression qui reflète l’urgence de capturer l’émotion dans son état le plus pur. À travers son recours à des médiums variés — fusain, aquarelle, collage, peinture à l’huile et acrylique — elle manifeste une profonde liberté créative qui s’affirme dans l’abstraction.   Techniques et spontanéité : une quête de l’authenticité   Ce qui frappe dans sa démarche, c’est l’importance qu’elle accorde à la spontanéité. Elle refuse de retoucher ses œuvres, affirmant ainsi un refus catégorique de l’artifice. Ses compositions sur papier, réalisées dans un mélange décomplexé de peinture acrylique, de collage et de crayon, deviennent des terrains d’expérimentation où la suggestion prime sur la narrati...
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MChartrie, « Du côté des jardins »

  Végétal   Dans sa série « Du côté des jardins » , MChartrie nous convie à une exploration fascinante de la nature, sous un regard à la fois intime et renouvelé.    Plus qu’une simple promenade visuelle, son travail incite le spectateur à revoir la nature dans toute sa richesse, sa diversité, et son potentiel créatif. Chaque œuvre est une invitation à redécouvrir le jardin comme un lieu vibrant de vie et de symboles, où chaque élément, chaque végétal, chaque fragment de paysage participe à une réflexion plus profonde sur la biodiversité et le temps.   Chez MChartrie , les jardins sont des lieux où se mêlent la culture, la mémoire et la métamorphose. Remplie d’une enfance passée parmi les fleurs et les plantes – un univers façonné par la profession de son père, horticulteur –, elle rend hommage à cette proximité avec la nature. Son regard ne se limite pas à une simple observation ; il capte l’essence de la nature en perpétuelle évolution, ...
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