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Articles

L’Éternité des formes : Hommage à Saskia Van Der Made

Marbre de Carrare, pierre, marbre noir de Mazy (Belgique), 22 x 19 x 10 cm Dans le silence laissé par la disparition de Saskia Van Der Made, le 13 octobre 2024, demeure une œuvre vibrante, habitée par le souffle de la pierre et la mémoire du geste. Sculptrice exigeante et poète de la matière, elle a inscrit dans le marbre et l’albâtre une vision profondément humaine du mouvement et de la transformation.   L’espace intérieur du marbre Saskia a consacré sa vie à explorer la matière, à la façonner avec une liberté intense qui brouille les frontières entre l’organique et l’abstrait. Née en Hollande en 1963, elle a été profondément influencée par les paysages lacustres de son enfance – une mémoire de fluidité qu’elle transpose dans des volumes sculptés où le marbre et l’albâtre semblent animés d’un souffle propre. Par un travail de taille directe, elle révélait dans la pierre l’élan vital d’un mouvement presque liquide, une danse silencieuse entre le poids et l’air. Son approche techniq...
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Articles récents

Richard Gautier, la rigueur au service de l’illusion

Invité d’honneur du 43e Salon international des arts à la Galerie Nesle, du 23 au 26 avril 2026, Richard Gautier est l’un des derniers héritiers d’une tradition picturale exigeante : celle du trompe-l’œil .   À contre-courant des tendances contemporaines, l’œuvre de Richard Gautier revendique une fidélité presque militante au réel — ou plutôt à son illusion maîtrisée. Une trajectoire entre rigueur académique et insoumission Formé à l’Académie des Beaux-Arts de Poitiers puis à l’Académie Anquetin à Neuilly, le peintre construit très tôt un langage pictural fondé sur la précision, mais aussi sur une forme de résistance aux dogmes. Là où l’enseignement académique prône l’imitation du modèle, lui choisit d’en comprendre les mécanismes pour mieux s’en affranchir. Ce double parcours — entre Beaux-Arts et enseignement parallèle auprès de copistes du Louvre comme Mme Versini — forge une pensée artistique indépendante. Gautier ne copie pas : il analyse, déconstruit, puis reconstruit le vis...
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Ene Jakobi, dessiner contre le mur des apparences

  Chez Ene Jakobi, le dessin n’est jamais un simple exercice d’observation. Il est un acte de résistance douce, un geste de présence obstinée dans un monde qui regarde sans voir.   Sa série « Palais Garnier » éditée dans la collection « Le Street-Art du 19 e siècle » réunis de dessins réalisés en 2019 devant les sculptures du Palais Garnier. La série propose une double lecture, fidèle à la démarche de l’artiste, où l’histoire de l’art dialogue avec une critique aiguë de notre présent. Sous le crayon d ’Ene Jakobi , les sculptures monumentales de Jean-Baptiste Carpeaux, Alexandre Falguière, Henri Chapu, Louis-Félix Chabaud ou encore Amandus Adamson, sont des corps à nouveau instables, chargés de tensions morales et politiques. Le regard de l’artiste se forme sur le vif, au contact direct des passants, des touristes et des influenceurs venus se photographier devant ces corps de pierre. Le procédé technique est volontairement simple : croquis réalisés sur pla...
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Francis Bellanger : entre l’innocence et le trouble

  Avec Pomme pom girl ,  Francis Bellanger   explore un territoire fragile, situé entre le jeu et le désir, l’enfance et la maturité. Ce nu, inspiré par une comédienne de théâtre pédagogique, met en scène un corps en état de transition, un instant suspendu où la pose devient récit. Une scène faussement simple À première vue, la composition paraît directe : une jeune femme nue, assise au sol, jambes largement ouvertes, mordant dans une pomme rouge. Le fond neutre efface tout contexte narratif et isole la figure dans un espace presque abstrait. La frontalité de la pose impose un face-à-face avec le spectateur, sans échappatoire possible. Pourtant, cette simplicité est trompeuse. La construction est rigoureuse : le triangle formé par les jambes et le drapé rose dirige le regard vers le centre du corps, tandis que la pomme, tenue à hauteur de bouche, devient un foyer de tension. Le geste de croquer, minuscule en apparence, introduit une dimension narrative qui dépasse largeme...
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Art Capital 2026 : seize voix, un collectif qui compte

Le retour d’Art Capital sous la verrière restaurée du Grand Palais, du 13 au 16 février 2026, a marqué bien plus qu’un simple événement institutionnel : il a consacré un collectif d’artistes affirmés issus de la Gironde et de la région Rhône-Alpes.   Au cœur de cette édition rassemblant plus de 2 000 artistes internationaux et plusieurs milliers de visiteurs, Arts-Sciences-Lettres, représentée par sa déléguée bordelaise Sandrine Étienne, a dévoilé un ensemble cohérent, à la fois exigeant et résolument contemporain. Cette aventure humaine et artistique est née de la rencontre et de l’alchimie entre Anne-Charlotte Ménoret, vice-présidente du Salon des Indépendants, et Sandrine Étienne. Composée de seize artistes majoritairement, tous membres et/ou diplômés de l’Académie Arts-Sciences-Lettres, cette carte blanche n’a obéi à aucune thématique imposée. Sa force résidait ailleurs : dans l’entente, la diversité assumée des pratiques et une scénographie pensée comme une mosaïque chromatiqu...
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Tatiana Pivovarova, la mémoire du geste

  COPIE DU Portrait de Mika Morozov - Valentin Alexandrowitsch Serow Chez Tatiana Pivovarova, tout commence par l’apprentissage du regard. Très tôt, à Abakan en Russie, dans cette petite école d’art réaménagée dans une ancienne crèche, elle apprend, enfant, à voir avant de peindre. Elle s’initie à la lumière comme on apprend une langue ancienne : par répétition, par discipline, par émerveillement. Chaque jour, deux heures de dessin, de céramique, de sculpture, de gravure sur bois — un rituel patient qui inscrit dans le corps une rigueur silencieuse. Rien n’est encore art : tout est observation, respiration, matière. Ce long apprentissage forge la mémoire d’un geste. Pivovarova apprend à traduire le monde à travers la diversité des techniques : le crayon, le fusain, la gouache, le pastel sec. Elle découvre que chaque outil impose une écoute différente de la forme, une lenteur propre. Elle comprend aussi, dès l’enfance, que la beauté naît du travail, de la contrainte, du recommencem...
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Oriane Sossah : la fabrique sensible d’un monde intérieur

  Alain Delon vu du 22, 2024, a crylique sur toile tendue,  140 x 100cm Artiste émergente sur la scène contemporaine parisienne, Oriane Sossah construit une œuvre qui se lit autant qu’elle se ressent. Ses peintures, dessins et créations numériques ne cherchent pas la démonstration, mais l’expérience : elles ouvrent un espace de perception où la couleur, la texture et le geste deviennent les vecteurs d’une émotion subtile, souvent indicible. Dans un paysage artistique saturé d’images, l’univers de l’artiste propose une pause, une brèche, un tremblement — quelque chose d’essentiel qui cherche à se dire. Une trajectoire singulière devenue langage artistique Le parcours d’Oriane Sossah ne ressemble à aucun autre. Venue du droit et du management, elle a glissé vers l’art par nécessité intime, par besoin vital de transformation. Cette trajectoire, loin d’être anecdotique, irrigue toute sa pratique : son rapport à la création est structuré, ouvert, transdisciplinaire. Elle ne cloiso...
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